陶瓷器皿古时用于盛物之用老子说过：“埏埴以为器，当其无，有器之用。”里面是空的，就有使用的价值。有的已经不需要当盛东西的物品之用，而纯粹是一种装饰品，最多插上几枝花而已。陶艺则完全摆脱了“实用”这一概念，可以自由发挥，里面空的、实的都无所谓。将口沿、形体捏成各种样款，或雕切成各式缺陷，认为“一个圆块，要比一个整体更有意义”，使“器”这种形式按照自己的设计思想去创造。

现在，做陶艺的大部分是院校的教师在操作。教学是它们的主业，生活有保障，不用担心做出来的陶艺的销售问题，可以尽情地玩泥做陶。画瓷器的画师大部分是从事陶瓷设计的，其中不乏院校毕业人员，主要是绘画装饰迎合市场口味的作品。陶艺作品里横、竖、撇的线条交错，所谓“千笔万笔，无一笔是笔”都是一种肌理的凹凸线，画瓷器则完全要靠一笔一笔画出来。画瓷器的和做陶艺的形成了两股人马，各摇各的船，目的都想钓到“大鱼”。我也是画瓷器这一块的人。２００１年，我参加中国美协陶艺委员会举办的首届陶艺展评*9熏当时入选了一件陶瓷作品《大江东去》参加展览，发现获奖的都是陶艺作品，陶瓷作品只是作为陪衬，没有一件获奖，这给我的启迪很大。这种学术性的展览，是一种学院派的性质，要求作品不能有商品性质，不能去画上什么题材，画得再好，再费功夫，再逼真也徒然，作为国画里的文人画的形式在陶艺里的翻版，表达的不是要费多大功夫去描画，而是作者思想情感，通过陶艺这种媒介去激活去物化它，离开了具体形象，涵盖的是作者抽象思维，设计理念主导着整个作品的框架和内涵。老子说过：“大音希声，大象无形”，讲的就是无声中曲折虚涵着不平凡的音响，善行无辙迹的形象；正如王维诗中的“空山不见人，但闻人语响”的艺术境界。形象隐藏在思维中而为意象，再升华为抽象。做陶艺要彻底改变画瓷器的观念，纯艺术的作品要和商品性的作品截然分开，绑在一起或截取一半，肯定行不通。如造型很前卫，又变形又歪斜，但仍然画上一些图画或花鸟、山水、人物在里面，基本保持了绘画的形式，不能叫陶艺作品，只能是你利用了陶艺的造型而已，较之传统一些的造型更显得时尚一些。

２００４年第十届全国美展设计展里包括的种类有陶艺一项。我抓住了这次机会，用了近两个月时间仔细琢磨后精心设计了两组陶艺作品投稿，经过初评和复评后，两件作品全部入选，后来才知道这次有３７００多件作品投稿，只入选３７０件作品，可见其难度之大。五年一届的全国美展是中国美协和文化部举办的大型学术性展览，权威性和艺术性早已被公认。以十届美展为契机，我进一步在陶艺这一块进行了一些有益的尝试，对其有了进一步了解，并渐渐喜欢上了。由于担心其商业价值的问题，还是不敢用大多精力去弄它。

陶艺在国内的销售渠道还不很顺畅，甚至很窄，整体文化素质高的城市如上海要好一些，在逐渐接受。这使我想起古代的伯牙鼓琴志在高山流水，而唯有钟子期知晓，诚然知音难寻，阳春白雪和者寡。由于其深奥的思想内容，令大部分购藏者匪夷所思，即“看不懂里面是什么意思”。相比之下陶瓷作品里堆砌的画幅，花花绿绿的色彩，规规矩矩的造型就容易让人接受，画得俗的和雅的都有人喜欢，雅俗共赏，为大众能接受。

我做陶艺寻求的是一种中间路线，设计思路上不追求一种无序的抽象性，制作上求平稳，不去过于堆砌和制造缺陷，造型上不极端变形，求和谐对称，发挥好坯泥和颜色釉的特殊表现力。赋予一种诗情画意的美感，追求“诗中有画，画中有诗”的意味。以诗意入画，出乎其里；贵有诗画的境界，而出乎其外的情感，给人留有一定的联想空间。

我的陶艺作品与抽象绘画有着某种默契，只不过是纸张变成了坯泥，颜料变成了颜色釉而已。陶瓷作品又像中国画里的写意和工笔画，但是画瓷器和绘画毕竟不一样，纸是不值钱的，而瓷是要经过“泥做火烧”的，其间复杂的工艺过程，不像画在纸上那么简单。我画瓷器特别注重画面的空白“知白守黑”，体现瓷的材质质地美，让瓷的精神焕发光彩。